Dissertation de Philosophie (corrigé)
Introduction
L’épistémologie, qui est l’étude de la connaissance et de la manière dont nous l’acquérons, est un domaine de la philosophie qui a des implications importantes pour l’art. En effet, l’art est considéré comme une forme de connaissance, puisqu’il nous permet de comprendre et d’interpréter le monde qui nous entoure de manière différente. Lorsque nous examinons une œuvre d’art, nous sommes en mesure de découvrir de nouvelles perspectives et de développer notre propre compréhension de la réalité. Nous pouvons également apprendre beaucoup sur l’histoire, la culture et les valeurs d’une société. Si nous regardons par exemple une peinture de la Renaissance représentant un paysage, nous pouvons en apprendre davantage sur les idées philosophiques et esthétiques de l’époque, ainsi que sur les techniques artistiques utilisées à cette époque. Comme le disait Friedrich Nietzsche dans Le Crépuscule des idoles : « La connaissance que nous acquérons à travers l’art est une connaissance qui ne peut être obtenue autrement, car l’art nous permet de découvrir une réalité qui ne peut être appréhendée par la seule raison ». Certains soutiennent que l’art nous permet d’accéder à une connaissance intuitive, tandis que d’autres pensent que la connaissance que nous acquérons à travers l’art doit être examinée de manière critique pour être considérée comme valide. L’artiste est-il maître de son art ou est-il guidé par l’inconscient ? Cette problématique sera détaillée dans les trois paragraphes suivants : le premier expliquera que L’artiste a une connaissance intuitive de son art ; le deuxième analysera que L’artiste ignore complètement ce qu’il fait ; et le dernier dira que L’artiste améliore sa connaissance de son art par une réflexion critique.
I) L’artiste possède une compréhension de son art
L’expérience et la pratique sont des éléments clés pour qu’un artiste acquiert une compréhension approfondie de son art. En explorant différentes techniques, styles et médiums, les artistes peuvent développer une compréhension intuitive de ce qui fonctionne et de ce qui ne fonctionne pas dans leur art. Cette compréhension est souvent le résultat de nombreuses années d’expérimentation, d’essais et d’erreurs. Prenons l’exemple d’un artiste peintre. Au fil des années, il a expérimenté avec différents types de peinture, de pinceaux et de supports, et a exploré une variété de styles artistiques. Il a passé des heures à pratiquer, à créer des œuvres et à les évaluer pour identifier les éléments qui fonctionnent le mieux. En conséquence, il a acquis une compréhension intuitive de ce qui est efficace dans ses peintures et de ce qui ne l’est pas. : “La pratique fait le maître, et c’est par la répétition et l’expérience que nous acquérons une compréhension profonde de notre métier”, déclare Malcolm Gladwell dans L’Histoire du Succès. Les artistes possèdent souvent une connaissance technique approfondie de leur art. Ils comprennent les propriétés physiques des matériaux qu’ils utilisent, comme la manière dont la couleur et la texture interagissent, et comment manipuler ces propriétés pour créer l’effet désiré. Cette compréhension technique leur permet de créer des œuvres d’art cohérentes et bien exécutées. Prenons l’exemple d’un sculpteur qui travaille avec de la pierre. Le sculpteur doit comprendre les propriétés physiques de la pierre, comme sa dureté, sa texture et sa structure, pour pouvoir la manipuler efficacement. En utilisant des outils spéciaux, tels que des burins et des ciseaux à pierre, le sculpteur peut tailler et polir la pierre pour créer une sculpture cohérente et bien exécutée. Comme disait Auguste Rodin un sculpteur français : « La technique est la capacité de transformer la matière en objet d’art. C’est la science de l’art ». Les artistes ont souvent une vision personnelle de leur art, qui leur permet de créer des œuvres uniques et originales. Cette vision est influencée par leurs expériences de vie, leur culture et leur contexte social. En comprenant leur propre vision et en laissant libre cours à leur créativité, les artistes produisent des œuvres qui reflètent leur individualité et leur originalité. Imaginez un artiste qui a grandi dans un quartier urbain animé, entouré de graffitis et de tags. Cette expérience de vie impacte sa vision artistique, lui donnant une appréciation pour l’art de la rue et une passion pour l’expression créative non conventionnelle. En laissant libre cours à sa créativité et en utilisant sa vision personnelle, l’artiste crée des œuvres qui sont uniques et originales, tout en reflétant son expérience de vie et son contexte social. Cette approche artistique inspire et influence d’autres artistes et peut avoir un impact sur le monde de l’art dans son ensemble. “Je ne peins pas ce que je vois, je peins ce que je pense. », affirme Pablo Picasso.
L’artiste possède une connaissance approfondie des techniques et des processus artistiques. Toutefois, le processus créatif de l’artiste implique une perte de conscience de soi ou une immersion totale dans son art.
II) L’artiste est totalement inconscient de ce qu’il produit
Lorsqu’un artiste est en train de créer, il se retrouve parfois dans un état de “flux” ou de « zone » où il perd conscience du monde extérieur. Dans cet état, ses actions deviennent automatiques, et il est capable de créer des œuvres d’art sans être pleinement conscient de ce qu’il fait. Cet état de flux est parfois appelé « expérience optimale » ou « flow » en psychologie. Dans cet état, l’artiste est totalement absorbé dans l’activité créative, perdant la notion du temps et de l’espace, et se concentrant uniquement sur la tâche à accomplir. C’est un état de conscience modifié qui permet à l’artiste de se connecter profondément à sa créativité. C’est pourquoi Mihaly Csikszentmihalyi écrit ceci dans son livre La psychologie de l’expérience optimale : « La véritable créativité est le résultat de l’état de flow – une immersion totale dans une tâche ou une activité pour le simple plaisir de créer quelque chose de nouveau ». L’artiste est influencé par des forces inconscientes telles que l’inconscient collectif, les pulsions et les désirs inconscients, ou la psyché profonde. L’art est souvent considéré comme une expression de l’inconscient de l’artiste. Selon cette perspective, l’artiste produit des œuvres d’art qui reflètent des éléments inconscients de son être sans en être pleinement conscient. Les pulsions et les désirs inconscients sont des forces internes qui conditionnent l’artiste dans la création de ses œuvres. Par exemple, l’artiste est inspiré par des rêves ou des fantasmes inconscients, qui peuvent se manifester dans l’art sans que l’artiste en soit pleinement conscient. Comme le fait remarquer Jackson Pollock : « Je suis tellement inconscient de ce que j’ai fait que quand les autres le voient, je le vois pour la première fois moi-même ». L’artiste est éventuellement impacté par des facteurs extérieurs tels que les matériaux, les outils ou le processus de création lui-même est intéressant. En effet, les matériaux et les outils ont des propriétés et des caractéristiques qui affectent la façon dont l’artiste travaille et crée son œuvre. Par exemple, un artiste qui travaille avec des matériaux naturels tels que la pierre ou le bois est influencé par les textures et les formes naturelles de ces matériaux, ce qui donne à l’œuvre une certaine direction sans l’intention consciente de l’artiste. John Dewey, qui souligne l’influence des matériaux sur la création artistique : « L’œuvre d’art ne peut être comprise isolément de ses matériaux et de ses techniques. […] Les matériaux ont leurs propres lois, leurs propres tensions et leur propre potentiel expressif, qui sont transmis à l’artiste et qui l’influencent ».
L’artiste entre dans un état de transe ou de flux créatif où il perd conscience de son environnement et se concentre entièrement sur sa création. Cependant, En se livrant à une réflexion critique, l’artiste peut approfondir sa compréhension de son art et ainsi se perfectionner.
III) La réflexion critique permet à l’artiste de mieux comprendre son art et de l’améliorer
L’artiste possède une connaissance intuitive et technique de son art, mais cette connaissance est limitée par des facteurs inconscients ou extérieurs. Cela signifie que même si un artiste possède une maîtrise technique de son art, il est limité dans sa capacité à créer des œuvres significatives en raison de facteurs tels que des blocages créatifs, des préjugés culturels ou des traumatismes émotionnels. Cependant, en reconnaissant ces limites, l’artiste entreprend une réflexion critique et développer une conscience de soi plus profonde, ce qui l’assiste à surmonter ces obstacles et à créer des œuvres plus significatives. Wassily Kandinsky affirme ceci dans Du spirituel dans l’art : « Le talent seul ne suffit pas. L’artiste doit posséder la liberté intérieure nécessaire pour créer, et cela suppose une maîtrise technique et intuitive de son art, mais aussi une prise de conscience de soi profonde ». La réflexion critique est essentielle pour tout artiste qui souhaite améliorer son art. En prenant du recul sur son propre travail, l’artiste examine ses œuvres de manière objective et identifie leurs faiblesses et leurs points forts. Cela l’encourage à se concentrer sur les aspects de son art qui nécessitent une amélioration, ainsi qu’à reconnaître les éléments qui fonctionnent bien et qu’il développe davantage. Par exemple, un artiste qui peint des paysages réfléchit manière critique à ses œuvres et réalise qu’il utilise souvent les mêmes couleurs ou les mêmes techniques. En examinant son art de manière critique, l’artiste identifie ces habitudes et cherche de nouvelles façons d’explorer le thème du paysage en utilisant de nouvelles couleurs ou en adoptant de nouvelles techniques. Cette prise de recul et cette réflexion critique aident l’artiste à évoluer en tant qu’artiste et à créer des œuvres plus intéressantes et plus originales. Cette idée est appuyée par Confucius :« La vraie connaissance est de savoir l’étendue de son ignorance ». L’interaction entre l’artiste et le public est considérée comme un dialogue entre deux parties, où chacune apporte une perspective différente. Le public apporte un point de vue extérieur qui permet à l’artiste de voir son travail sous un nouvel angle. En écoutant les commentaires du public, l’artiste identifie les parties de son travail qui sont claires ou obscures pour le public, ce qui favorise à clarifier les idées et les messages qu’il souhaite transmettre à travers son art. Un exemple de cela est observé dans l’art public. Les œuvres d’art dans les espaces publics sont souvent conçues pour être interactives et pour encourager la participation active du public. En engageant avec ces œuvres, le public offre des perspectives nouvelles et surprenantes sur l’art, que l’artiste n’aurait peut-être pas envisagées. Par conséquent, l’interaction entre l’artiste et le public contribue à enrichir la compréhension de l’œuvre, en faisant ressortir de nouvelles facettes de l’art. « Le dialogue entre l’artiste et le spectateur est une conversation qui enrichit les deux parties. Le spectateur apporte une perspective différente, et l’artiste, en écoutant cette perspective, peut affiner sa propre vision et sa propre compréhension de son art », souligne Robert Storr dans son ouvrage critique d’art et conservateur d’expositions.
Conclusion
L’artiste a un savoir inné et technique de son travail, ce qui lui permet de créer une œuvre originale. Mais certains affirment que l’artiste est totalement inconscient de ce qu’il fait, influencé par des forces inconscientes telles que les rêves ou les traumatismes passés qui ne sont pas directement accessibles à la conscience. De plus, l’interprétation de l’art varie selon les spectateurs, ce qui suggère que l’artiste n’a pas un contrôle total sur la signification de son œuvre. Toutefois, la réflexion critique permet à l’artiste de mieux comprendre son art et de l’améliorer. Cette réflexion l’aide à prendre conscience de ses choix esthétiques et de la signification de son travail. L’interaction entre l’artiste et le public contribue également à enrichir la compréhension de l’œuvre, car le public apporte un point de vue extérieur qui peut éclairer de nouvelles facettes de l’art. En fin de compte, bien que l’artiste puisse avoir des connaissances limitées de son travail, la réflexion critique aide à approfondir sa compréhension et à améliorer son art. Ainsi, l’artiste est capable de maîtriser son art à travers la réflexion critique et la participation du public. Comment la technique peut-elle influencer l’expression artistique de l’artiste ?
